Ilustración en el Diseño de Modas

¿Que es la ilustración de modas? La moda que vemos desfilar en las pasarelas ha sido primeramente elaborada en la mente del diseñador. Las ideas son plasmadas en papel, de manera natural y espontánea en algunas ocasiones, como las notas brotan en la partitura del compositor. Los bocetos pueden dar lugar a un maravilloso vestido o a una fantástica colección. Los dibujos son la representación física de las ideas que nacen en la mente de muchos diseñadores, compartiendo a través de sus manos, una creatividad expresada mediante distintas técnicas como el carboncillo, la plumilla, la acuarela o el diseño gráfico. En otras palabras, las ideas que los diseñadores han plasmado directamente en el papel, salen de ahí al mundo real, por lo que es necesario que los bocetos transmitan claridad y un estilo propio que les defina y les distinga de los demás. No basta sólo con ser un buen dibujante, es necesario además tener entusiasmo por la moda y conocer las tendencias.

Ilustración de movimiento en Moda

Ilustración de luz en Moda

Ilustración de sombra en Moda

Diseño de Modas

El diseño de modas se encarga de diseño de ropa y accesorios creados dentro de las influencias culturales y sociales de un período específico. Representa el estilo e idea del diseñador según su talento y conocimientos. No debe de confundirse con el corte y confección o la sastrería, pues aunque el diseño de modas esté muy ligado a estos, en realidad es una tarea distinta.

PSICOLOGÍA DE LA VESTIMENTA

Teniendo en cuenta estos los fines a lograr, se puede crear una cobertura o vestido. Dependiendo de la calidad con que se mezclen y cantidad de fines mezclados obtendremos mejores o peores resultados.

La psicología de la moda influye en muchos aspectos dentro del ser humano, por ejemplo: el hecho de como el color de una prenda puede llegar a cambiar tu estado de ánimo, o bien como te quita o te da seguridad para unirte a un grupo social.

Cuando la psicología del individuo bascula entre lo establecido como normal, puede hacerse un análisis a través de la vestimenta de su personalidad, nivel cultural, ambiciones, pasatiempos, lugar de origen, gustos musicales, condiciones físicas, complejos...

En caso de que haya picos de algún tipo en la función de lo establecido como normalidad psicológica, la imagen podría ser infiel a la realidad del individuo demostrando así una carencia adaptativa, dependencia, introspección, inteligencia de imagen, baja autoestima, vanidad... Es decir, cuanta más distancia hay entre la imagen proyectada y la realidad, más alto es el valor positivo o negativo de la función de la psicología normal.

La cobertura puede ser un fiel reflejo del alma o totalmente lo contrario dependiendo de la salud mental del individuo, así que, debería considerarse la vestimenta como herramienta analítica en psicología.

El diseño de modas se difiere a el diseño de vestuario debido a que su producto principal tiende a quedar obsoleto después de una o dos temporadas, usualmente. Una temporada está definida como otoño-invierno o primavera-verano. Se considera generalmente que el diseño de modas nació en el siglo XIX con Charles Frederick Worth, que fue el primero en coser a las prendas una etiqueta con su nombre. Mientras todos los artículos de vestimenta de cualquier período de la historia son estudiados por los académicos como diseño de vestuario, sólo la ropa creada después de 1858 puede ser considerada como diseño de modas.

TIPOS DE DISEÑO DE MODAS

Hay tres tipos principales de diseño de modas, aunque pueden ser divididos en otras categorías más específicas:

Alta costura

El tipo de moda que predominó hasta los años 1950 fue la moda "hecha a medida" o Haute Couture  (francés para "alta costura"). El término "hecho a la medida" puede ser usado para cualquier prenda que sea creada para un cliente en particular. Alta costura, sin embargo, es un término protegido que puede ser usado solamente por compañías que cumplen ciertos estándares bien definidos por la Chambre Syndicale de la Couture. No obstante, muchas marcas de ropa "lista para usar", e incluso de mercado masivo, afirman crear alta costura, lo que según los estándares, es falso. Una prenda de alta costura está hecha por orden de un cliente individual, y está hecha usualmente de textiles costosos de alta calidad, confeccionada con extrema atención en los detalles y el acabado, generalmente usando técnicas a mano que toman mucho tiempo.

Moda lista para llevar

La moda "lista para usar" (Prêt-á-porter) es un punto medio entre alta costura y mercado de masa. No está hecha para clientes individuales, pero se toma gran cuidado en la elección y el corte de la tela. La ropa está confeccionada en pequeñas cantidades para asegurar la exclusividad, por lo cual es más bien costosa. Las colecciones de prendas listas para usar son usualmente presentadas por casas de modas en cada temporada durante un período conocido como semana de la moda que toma lugar dos veces al año.

Mercado de masa

Actualmente la industria de moda cuenta sobre todo con las ventas del mercado de masa. El mercado de masa cubre las necesidades de un amplio rango de clientes, produciendo ropa lista para usar en grandes cantidades y tamaños estándar. Materiales baratos usados creativamente producen moda accesible. Los diseñadores de mercado de masa generalmente adaptan las modas establecidas por los nombres famosos en el área de la moda. Esperan generalmente una temporada para asegurarse de que un determinado estilo tendrá éxito antes de producir sus propias versiones de éste. Para ahorrar tiempo y dinero, usan textiles más baratos y técnicas de producción más simples que pueden ser fácilmente ejecutadas por una máquina. El producto final puede ser vendido a un precio mucho más bajo que un producto de cualquiera de los otros dos métodos de producción.

Valentino

"Desde el instante en que despierto me concentro en un solo ideal: comunicar la belleza y la perfección".  –V

Conocido como el 'Rey del Chic' y reconocido en todo el mundo por su rojo Valentino, el diseñador que convirtió a Italia en la capital de la moda.

 Valentino Garavani nace el 11 de mayo de 1932 en el pueblo de Voghera, situado al sur de Milán. Su interés por la moda comenzó cuando era un adolescente y veía a su tía Rosa confeccionar prendas para la diseñadora local Ernesetina Salvadeo. A los 17 años, sus padres, Teresa y Mauro, lo apoyaron para que fuera a París a estudiar diseño de moda en la Ecole des Beaux Arts y en la Chambre Sindícale de la Couture Parisienne.

Sus primeros trabajos los consiguió como aprendiz en Jean Desees y en Guy Laroche, pero en l959 volvió a Roma y abrió un taller de moda con el apoyo de su padre. El 31 de julio de 1960 conoció a Giancarlo Giammetti, con el que decidió abrir un pequeño atelier en la Vía Condotti. Giammetti resulto ser bueno para los negocios, ya que cuando se conocieron la situación económica de Valentino no era brillante. Giammettii tomó el control de las finanzas y juntos lograron el éxito a nivel internacional. Además de la relación profesional, Valentino y Giammetti mantuvieron un romance durante 12 años que jamás hicieron público.

En 1962, cuando presentó su primera colección en el palacio Pitii en Florencia, empezó a ser reconocido su trabajo por compradores y críticos de moda. Sin embargo, la gran oportunidad llama a su puerta tras la mítica presentación 'Colección sin color', en 1967.

En 1969 abre su primera boutique en Milán y desde ese momento su compañía no ha cesado de crecer manejando en la actualidad líneas como Valentino Haute Couture, Valentino Boutique, Valentino Uomo, Miss V (una línea juvenil) y Oliver.

Apasionado por un corte sastre perfecto, en los años 60 se decantó por dar luz a sus famosos trajes, a sus palazzos pijamas, o a los vestidos envueltos en plumas o pétalos. Abrigos y trajes de chaqueta continúan jugando un papel importante en sus colecciones. Telas diseñadas por él mismo, inspiradas en las pinturas de Klimt o Baks, o en su inicial V.

Los años 70 marcan, sin embargo, una fase que el modisto prefiere olvidar por ser un periodo "de exageración". La década de los 80 de Valentino fueron extraordinarios. Se destaca su uso del color rojo, los plisados y sus trajes columnas. En los 90, Valentino continuó siendo el reflejo del trabajo serio, glamoroso y lleno de clase.

Valentino es famoso por su peculiar uso del rojo. Este color se convirtió en el sello de diseñador que desde hace décadas viste a las mujeres más elegantes del mundo y que a su vez, suele convertirlas en musas y amigas. Mujeres como Liz Taylor, Brooke Shields o Sofía Loren, han ido ocupando desde sus comienzos un puesto a su lado como confidentes en sus desfiles.

Como curiosidad, en 1954, una de las fiestas a la que acudía Jacqueline Kennedy quedó impactada al ver un traje de organza negra que vestía una de las invitadas. Cuando le preguntó a la mujer quién era su diseñador, ella respondió que era de un italiano de nombre Valentino. Desde ese momento Jackie se convirtió en cliente habitual y en una de sus mejores amigas. Además, fue Valentino quien le confeccionó los trajes para guardarle luto a su esposo, John F. Kennedy y también quien le hizo el vestido de novia que vistió al casarse con Aristóteles Onassis. Ese fue el momento en el que Valentino se convirtió en el diseñador más solicitado por las mujeres de la realeza y de Hollywood.

"Las posibilidades del rojo son infinitas", afirma el modisto, que ha convertido al vibrante color en su tarjeta de presentación, sobre todo el que se conoce como "rojo amapola".
Fanáticas de este color y de todos sus diseños son también Alexandra von Furstenberg o Liz Hurley.
Valentino se desenvuelve entre la tradición de la Alta Costura francesa y el diseño, algo que le hace único y especial.

La Iluminación en la fotografía

La iluminación en fotografía consiste en dirigir y rebotar luz hacia un objeto con la intención de que ésta pueda ser registrada por una película, un sensor electrónico CCD o CMOS. La luz resulta fundamental en la fotografía ya que sin ésta no es posible plasmar una fotografía. Aparte de ser un factor físico imprescindible en el proceso fotográfico, la luz posee una función plástica de expresión y modelado que confiere un significado y un carácter tal, que muchas veces ella sola determina la calidad de una fotografía, aunque esto depende del gusto del fotógrafo y la técnica que él mismo emplee.

La luz natural

 es aquella que proviene del mismo sol y es influida en su paso por la atmósfera terrestre, además dependiendo de la hora del día puede dar diferentes matices en intensidad, dirección, dureza y color, lo que significa que una luz apta para determinado trabajo pueda tener una corta duración. Una ventaja de la luz natural es que permite hacer tomas fotográficas en exteriores y puede ser complemento a la luz artificial.

La luz natural es más difícil de controlar a causa de los cambios que sufre respecto a sus cualidades (intensidad, dirección, calidad y color).

Luz Artificial

Se le llama a la que se añade intencionalmente a la luz ambiental de una escena. Puede ser tan sencilla como un flash o tan compleja como un banco de focos o de estudio. Con un equipo adecuado nada impide recrear cualquier efecto luminoso. Pero, normalmente, lo que el fotógrafo quiere es elevar la luminosidad, de modo que el resultado parezca natural. La atención por tanto, debe centrarse en el sujeto u objeto a iluminar y como impacta en éste la luz.

La luz artificial permite el control absoluto sobre la dirección, calidad e intensidad de la luz. Las fuentes luminosas pueden cambiarse de sitio y difundirse o reflejarse. La intensidad de la luz se elige  en base al sujeto, o a la abertura y la velocidad que se haya escogido.