Regiones del Centro de México

 Regiones en el Centro que aquí se van a desglosar:


-Aguascalientes se ubica en la región centro-norte del país,Capital del estado que lleva el mismo nombre, la ciudad de Aguascalientes es en la actualidad un centro comercial e industrial en desarrollo constante. Es una urbe reconocida por sus bravas corridas de toros, excelentes vinos, clima amable y relajado ambiente provinciano. El segundo estado más pequeño del país, Aguascalientes tiene sin embargo una privilegiada posición comercial debido a las fábricas de alta tecnología que se encuentran alrededor. Los recientes esfuerzos de restauración han revitalizado numerosos edificios coloniales del centro de la ciudad. Amplios portales definen el trazo de sus calles. Este destino, con más de 663 mil habitantes, alberga más de la mitad de la población del estado. Los orígenes de Aguascalientes se remontan a 1575, cuando se convirtió en un puesto de avanzada en el hostil territorio de los chichimecas. Su ubicación estratégica (entre la ciudad de México y Zacatecas) y una próspera agricultura y ganadería ayudaron a proveer de alimentos a la naciente ciudad. 


-Guanajuato:La capital del estado de Guanajuato ha sido nombrada Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO y es una encantadora ciudad de la época colonial situada en un pintoresco valle, rodeado por las montañas de la Sierra de Guanajuato. Su sobrenombre, “lugar de las ranas”, se debe a que para los primeros habitantes de la ciudad, la forma de su terreno montañoso era similar a la de una rana.  A esta región se le conoce como el Bajío, o el corazón de México. 

Fundada en 1559, Guanajuato es una antigua ciudad hogar de la mina La Valenciana. La plata fue descubierta por primera vez en Guanajuato a mediados del siglo XVII. La Valenciana fue explorada un siglo más tarde y se convirtió rápidamente en una de las minas más ricas y productivas del mundo. El Templo de San Cayetano, que se encuentra a un lado del yacimiento, se erigió como monumento a la abundancia y las riquezas extraídas de la mina. 

Querétaro:Querétaro es un excelente sitio para comenzar un tour colonial por México. Esta hermosa ciudad habitada por aproximadamente medio millón de personas se asienta en la intersección de dos carreteras federales, la 57 (México-Piedras Negras, Coahuila) y la 45 (Portezuelo, Hidalgo-Ciudad Juárez, Chihuahua). Querétaro se ubica a sólo dos horas y media (220 kilómetros) de la ciudad de México, y es por ello que se ha convertido en una especie de satélite para la gran capital mexicana. Diversas plantas de manufactura se han establecido en las afueras de Querétaro, lo cual atrae a cientos de hombres de negocios que viajan a diario desde la capital. La economía queretana se basa en la agricultura, la cría de ganado y la industria. También se trabajan piedras como la amatista, el ópalo y topacio. Sus minas son ricas en mercurio, zinc y plomo.

San Luis Potosí:El vasto estado de San Luis Potosí se extiende sobre las llanuras semidesérticas del norte central de México. La fuerte presencia de su ciudad capital, también llamada San Luis Potosí, en la historia nacional durante más de cuatro siglos la convierten en un destino fascinante. Si visitas cualquier ciudad del centro de México, no dejes de pasar por San Luis Potosí. De Querétaro a la capital potosina sólo hay 200 kilómetros, que se recorren en aproximadamente dos horas en autobús. 

San Luis Potosí debe su auge temprano a una veta de oro y plata que fue descubierta en 1592. A pesar de contar con menos minas que Guanajuato o Zacatecas, esta ciudad se convirtió en un importante centro administrativo y comercial en la zona fronteriza. En el siglo XVII, San Luis Potosí asumió el rol de la ciudad más importante en el norte de México; su dominio se extendió de Luisiana hasta Nuevo México. 

Zacatecas:Zacatecas es una ciudad de enorme belleza y orgullo mexicano descarada. Esta ciudad legendaria de plata se encuentra 4,5 horas al norte de Guanajuato y es un desvío en la historia ningún visitante se arrepentirá. A 8.100 metros sobre el nivel del mar (por lo que es segunda mayor ciudad de México), Zacatecas, literalmente, sin aliento. Impresionante arquitectura de la ciudad incluye muchos edificios religiosos y civiles de la época colonial: la Catedral, claramente domina el centro de la ciudad.

Mexico: Ciudad de México es una capital fascinante que seduce a sus visitantes con un sinfín de opciones. Una de las áreas metropolitanas más grandes del mundo, con 16 delegaciones y más de 300 barrios, puede parecer un poco abrumador para el visitante por primera vez, aunque no tiene por qué serlo. Muchas de las atracciones turísticas más visitadas de la ciudad de México se concentran en el centro histórico, incluyendo la Plaza de la Constitución o Zócalo, el Palacio Nacional, la Catedral Metropolitana, Templo Mayor, el Palacio de Bellas Artes y el Parque Alameda. A pocas cuadras al norte del Palacio de Bellas Artes, Plaza Garibaldi es uno de los mejores lugares en la ciudad de México para oír la música de mariachi en vivo.

Estilo Vintage

Vintage es el término empleado para referirse a objetos o accesorios de calidad que presentan cierta edad, los cuales sin embargo no pueden aún catalogarse como antiguedades. En la actualidad, el término se ha generalizado y se utiliza para designar instrumentos musicales, automóviles, libros, fotografías, y, más recientemente, prendas o accesorios de vestir.

El auge de la estética vintage se ha visto acrecentado por iconos de la moda como Dita Von Tesse que viste casi exclusivamente con prendas de segunda mano.

La atracción por lo vintage deriva de las siguientes razones.

·Exclusividad: La mayoría de los productos vintage fueron producidos en pequeñas cantidades y son menos aún los que han llegado a nuestros días.

·Calidad: La confección de este tipo de prendas suele ser exquisito. Son artículos caracterizados por su buen hacer, muchas veces de manera artesanal en su totalidad o gran parte de ella.

·Materiales: Gran parte del género con el que se realizaron en su momento tiene hoy un precio desorbitado.

·Valor económico: Su precio está muy alejado de prendas similares actuales. Su valor incrementa según la época a la que pertenece, el diseñador que la creó, su buen estado y en algunas ocasiones, incluso, a quién perteneció.

·Historia: Los consumidores de este tipo de prenda dan gran valor añadido a su carga histórica. De hecho, uno de los lugares para adquirirlos son precisamente anticuarios.

·Coleccionismo: No todo el público adquiere estos artículos para su uso. En ocasiones se crean auténticas colecciones privadas de diseño por el mero placer artístico de su posesión.

·Acabado: El gusto por el detalle, desde la hilada hasta los botones o elementos decorativos, está realizado con un esmero del que suele carecer la moda actual.

Tal es el valor actual de lo vintage, que las casas de moda están recurriendo a esa estética en sus nuevas colecciones.

El vintage es una manifestación de la cultura posmoderna. Es producto de la pérdida de fe en el progreso y el desencanto del motor de la innovación propia de la modernidad. Así, en vez de mirar al futuro, se recurre con nostalgia a elementos de eras pasadas, pero carentes de significado original. De esta manera, la moda se sirve del pasado por motivos meramente estéticos, donde se mezclan elementos de distintas épocas y lugares, descontextualizados de su función y razón original.

Algunos elementos que vale la pena considerar a la hora de identificar una prenda vintage se basan en la fecha de ciertos descubrimientos o prácticas comerciales. Por ejemplo, las etiquetas con instrucciones de lavado o los cierres de plástico sólo aparecieron en los años 1960. También se tiene el caso del nailon, que se descubrió en 1935, pero no llegó a Europa sino un década más tarde.

No es cuestión de rescatar un batón del placard de la abuela, ese que te recuerda tu infancia: botones forrados, cinturón y estampado marrón con flores amarillo patito. Aunque, de hecho, lo nuevo en la moda es llevar lo viejo.

Casi una paradoja: en el imperio donde reina la novedad, se privilegia lo antiguo. Casi. Porque la novedad es rescatar viejas prendas de otras décadas y combinarlas con nuevas tendencias con el fin de crear un look distinto y, al fin y al cabo, nuevo.

Se trata de la moda vintage. Este término se utiliza para describir artículos o prendas de ropa “retro” que tengan, por lo menos, diez años de historia. Actualmente, lo más rescatado pertenece a las décadas del 50, 60, 70, 80 y, aunque nos pese, 90.

Casas de indumentaria internacionales y una gran parte de los diseñadores independientes han adoptado la práctica de reciclar prendas para transformarlas en productos apetecibles para un público con ansias de novedad. Firmas internacionales, como Prada o Channel, han reeditado diseños históricos asegurando no se trata de copias, sino de modelos originales.

Eso sí, nada de pensar que los viejos tiempos fueron mejores, para que el vintage funcione es necesario mezclarlo con lo actual. Es decir, seguir antiguo y vigente consejo de las novias, el de combinar algo nuevo con algo viejo y demás. Se trata de una tendencia que furor esta temporada: lucir una prenda vintage y alegrarla con un toque de modernidad. De esta forma, se revitaliza una moda de colores sepia y se resalta la bondad de la ropa añeja y el de la actual.

La premisa es modernizar las prendas agregando hebillas, tachas, botones o mostacillas bordadas. Se pueden quitar volados o tablones o utilizar un encaje antiguo para agregarlo al ruedo de una pollera. Modificar las mangas y combinar con géneros modernos como tela de avión o polar. O vestirse con la moda actual y agregar un sombrero, pañuelo, cartera o zapatos de estilo vintage.

Para estar a tono con este fenómeno sólo basta una visita al baúl donde mamá y la abuela guardan reliquias del pasado. En el caso de que adquirir algo directo del hogar sea considerado como una profanación, la opción es pasear por cualquier feria americana o mercado de pulgas donde se consiguen prendas desde $ 5.

Fibras textiles minerales

Nombre de varios minerales filamentoso, muy resistentes al calor, de los cuales los más importantes son: la crisolita y la amosita, el asbesto es muy resistente y cuando se mezcla con rayón o algodón se fabrican telas de seguridad, para telones de teatro,  trajes de bomberos, forros para frenos de automóviles, etc.

Hay 2 tipos: el de fibra corta y el de fibra larga. La de fibra corta se combina con otros materiales y se moldea para fabricar laminas de asbesto parra forrar calderas y hornos, para aislar tuberías, y cuando se combina con cemento se obtiene el llamado “fibrocemento” que se usa  para paredes, tabiques y techos.

Sus características principales son: incombustible, refractario al calor y a los productos químicos y refleja luz

Algunos de estos son:

El amianto

  

El amianto es un mineral llamado también asbestos y cartón de montaña. En realidad se trata de una variedad fina de asbesto. Es de color entre blanco y pardo oscuro. Formado por fibras flexibles, muy finas y con una longitud de 1 a 3 mm ( la inhalación continuada de estas fibras puede llegar a infiltrarse en los pulmones y producir la grave enfermedad llamada amiantosis). Su característica principal es la incombustibilidad, por ello se utiliza para vestimenta ignífuga. Tiene poca afinidad por los colorantes.

Vidrio

Fibras obtenidas por extrusión del vidrio fundido, tienen gran resistencia mecánica, química y térmica. La fibra de vidrio es de una gran dureza; se utiliza en compósites, en aislamientos térmicos, eléctricos y acústicos. Para estos usos, la fibra de vidrio comenzó utilizándose ya a finales del siglo XIX. Pero es en 1938 cuando Russell Games Slayter patenta una fibra de vidrio como se conoce hoy.

Con la tecnología actual, el más frecuente uso de la fibra de vidrio es para el refuerzo de fibras sintéticas de polímeros. Viene llamándose fibra reforzada o simplemente fibra de vidrio; pero sólo el alma de la fribra es de vidrio. Dada la dureza del alma de la fibra de vidrio, la fibra así fabricada resulta de una altísima resistencia. 

Metal

Se obtienen fibras metálicas por estiramiento de algunos metales como el cobre, plata, oro y el acero. Su utilización en confección queda reducida a los tejidos suntuarios, decoración y calzados. En otras industrias tienen gran demanda los filtros basados en fibras metálicas o en fibras reforzadas en materiales metálicos, como los fieltros mostrados en la fotografía.

Regiones / Jalisco

Jalisco es uno de los treinta y un estados que, junto con el Distrito Federal, conforman las treinta y dos entidades federativas de México. Es la cuarta entidad federativa más poblada de México y uno de los Estados más desarrollados en el país en cuanto a actividades económicas, comerciales y culturales. En ciertas partes de la capital y de algunos municipios el nivel de vida es comparable a países como España e Italia, pero al igual que en el resto de México no es representativo de todos los municipios. Su capital es Guadalajara, cuya zona metropolitana está compuesta por los municipios de Guadalajara, Zapopan, Tlaquepaque, Tonalá, Tlajomulco, El Salto, Ixtlahuacán de los Membrillos y Juanacatlán, haciendo de ésta la segunda aglomeración urbana más grande de México después de la capital. Es la tierra de los charros, jaripeos, palenques, mariachi, tequila y muchas de las tradiciones que en el mundo se asocian con lo auténticamente mexicano.

El clima en el Estado de Jalisco va de cálido subhúmedo a semiseco templado, destacando el semicálido subhúmedo con lluvias en verano.

Además se encuentra la Base Aérea Militar No.5 Zapopan, Colegio del Aire, donde se entrena a los futuros pilotos, controladores aéreos, etc de la Fuerza Aérea Mexicana.

Grupos étnicos

  Pueblo Náhuatl  
   
    Pueblo Huichol

                                                                    
Los huicholes son el grupo étnico más conocido y numeroso del estado de Jalisco, se concentra principalmente al norte del estado en municipios como Bolaños, Huejuquilla o Villa Guerrero que comparte asentamientos con otros estados como Nayarit y Zacatecas, al sur se encuentra otro grupo indígena nativo de Jalisco, los nahuas herederos de la lengua azteca quienes radican en los municipios de Tuxpan y Tonila; y en menor proporción los purépechas, mixtecos, mazahuas otomíes y zapotecos.

 

Deportes tradicionales

Con frecuencia se dice que el deporte nacional de los mexicanos es la charrería, no se atribuye su origen dentro del estado pero si es el estado de Jalisco el que mayor emblema le ha dado a este deporte. Es derivado de las faenas de los caporales en las haciendas ganaderas. Su origen data de la época colonial, y se atribuye a Maximiliano de Habsburgo, segundo emperador de México, la creación del traje de charro en su forma definitiva. La práctica de la charrería está limitada a un sector muy pequeño de la población, debido al elevado costo de la manutención del caballo y de los aperos necesarios (indumentaria, accesorios). El reconocimiento como deporte nacional es más bien honorífico, porque como otros supuestos símbolos mexicanos, no tiene declaración oficial. La versión popular de la charrería es el jaripeo, presente en casi todas las fiestas de los pueblos.

Traje de Jalisco

 

*En Jalisco, por el año de 1998, se instituyó la "Regionalización administrativa" para promover el progreso de la entidad, congregándose los 125 municipios en 12 regiones, cada una asumiendo a un municipio sede, que hace la función de "capital" de la región  . 

1 Región Norte
2 Región Altos Norte
3 Región Altos Sur
4 Región Ciénega
5 Región Sureste
6 Región Sur
7 Región Sierra de Amula
8 Región Costa Norte
9 Región Sierra Occidental
10 Región Valles
11 Región Centro
12 Región Costa Sur

Colecciones

Una colección de moda es un conjunto de prendas creadas por un diseñador con una coherencia interna en términos de estilo y destinada a una temporada del año en concreto.

Generalmente, los diseñadores suelen crear dos colecciones anuales, la colección Otoño - Invierno orientada a estas estaciones del año y que incluyen tejidos gruesos y prendas de abrigo y la colección Primavera - Verano con prendas para esta temporada del año, incluyendo a menudo ropa de baño. Las colecciones se pueden distinguir también por:

- El público al que va dirigido: Hombre, Mujer, Infantil, etc.

-  La ocasión de uso de las prendas: Colección de baño, Colección de boda, etc.

Creación de una colección

Las fases que se siguen en la creación de una colección son las siguientes:

        * En primer lugar, comienza con la definición por parte del diseñador del estilo o concepto que dará coherencia a la colección. La colección puede estar inspirada en múltiples lugares, épocas, situaciones, estilos de mujer, etc. A menudo, la colección recibe un nombre relacionado con el diseñador o el estilo escogido.

         * Seguidamente, se procede a la selección de los tejidos con los que se confeccionarán las prendas. Estos comprenden las telas, los tejidos lisos o estampados teniendo en cuenta la coordinación entre ellos. También se escogen los forros interiores y las entretelas así como otras partes estéticas que componen la prenda: botones, cordones, cremalleras, etc.

        * El diseñador define la totalidad de las prendas que formarán la colección y la combinación de las mismas, incluyendo sus complementos: zapatos, cinturones, bolsos, gafas, etc.

        * Se define la colección. Se elaboran las fichas artísticas que comprenden imágenes de maniquíes utilizando las prendas de la colección. En ellas, se pueden apreciar sus colores y sus formas y otras características de las mismas como el vuelo, la pesadez o ligereza de la prenda, etc.

        * Luego, se elaboran los patrones de toda la colección en una misma talla para que puedan ser probadas por una misma modelo.

         * Los patrones se pasan al corte para crear el muestrario que consiste en un ejemplar de cada una de las prendas que la componen con objeto de mostrarlo a los potenciales clientes. Junto con el muestrario de prendas, se crea el muestrario de colores.

      *Finalmente, se presentan las prendas a los compradores en encuentros individuales o en eventos públicos como son los pases de modelos.

   

     

Pepa Loves

Más de 150 puntos de venta en España, y presencia en Alemania, Italia, Portugal, Bélgica, Holanda, Austria… La malagueña Pepa Loves se consolida como una de las marcas andaluzas con más proyección. Los aires vintages con un marcado acento del Sur, los estampados frescos y los diseños sexy- chics con ese toque inocente de la infancia, están ganando cada vez más adeptas y adictas a la moda Loves, desenfadada y casual. Sus responsables, los hermanos Solís Karnero –Alicia, Álex y Marya- nos desvelan su historia, el secreto de su éxito y sus proyectos.

La historia de Pepa Loves empezó con su madre, Pepa Karnero, que montó varias tiendas multimarca. ellos íban a ferias, a elegir las prendas. Esto era a finales de los ochenta y principios de los noventa. Después, los tres hermanos viajaron a Londres para aprender inglés y allí montaron una central de compras para ayudar a los españoles. Les buscában los hoteles, los traslados, dónde hacer los pedidos… apoyados en su experiencia anterior. 
Abrieron su primera tienda multimarca hace catorce años, ya con diseños propios. Ahí se puede decir que fue cuando comenzó todo cada vez había más ropa diseñada por ellos hasta que en la primavera del 2000 sacaron su primera colección y empezaron a vender a otras tiendas. 
El nombre Pepa Loves tiene un par de años. Sigue el mismo concepto desde 2003, pero se cambió el nombre porque comenzaron a distribuir en Alemania y Karnero era más complicado de pronunciar. 
Sus señas de identidad en Londres desarrollaron mucho el gusto por lo vintage, que llevan  a sus tiendas, junto con prendas más actuales. Ese estilo, junto a la alegría en los estampados y colores, los definen mucho. Pero lo fundamental es que la ropa quede bien, que favorezca. Para eso tienen varios truquillos. Las hermanas Karnero tienen cuerpos normales y reales, pero diferentes. Y las prendas les tienen que quedar bien a las dos. Para ello seleccionan tejidos que se adapten. También es muy característico de Pepa Loves el hecho de que cada prenda tenga un toque especial: unos volantes, un botón en un punto determinado, o una lazada… los estampados y los colores son exclusivos, con tejidos básicos y que no encarezcan demasiado, pero que tengan buena calidad. 
Los estampados son muy especiales, casi infantiles… los hermanos Karnero son muy aficionados a la ilustración, y les gusta ese concepto, con animalitos, personajes fantásticos, formas oníricas y motivos de la naturaleza… 
Los complementos este año han sacado bolsos en forma de perrito… los complementos son desde casi el principio. La primera colección, de aires hippies, venía con carteras y bolsitos de soles y lunas. 

El público aunque parezca ropa para quinceañeras, tienen edades comprendidas entre los veinte y muchos y los treinta y tantos. Son cosas bonitas, apropiadas para quien tenga un gusto alternativo y no demasiada timidez, porque son prendas que llaman la atención. Todo el mundo coincide en que se nota que  son españolas, del Sur. Trabajan con tres tallas: pequeña, mediana y grande. Suelen usar tejidos muy elásticos, lo cual aumenta las diferencias de tallaje. Abarcan desde la 36 a la 44. 
Su inspiración y la clave son los tejidos y los colores, que son los que dan la forma.
Las prendas se pueden comprar sobre todo en tiendas multimarca. También tienen algunas tiendas  en Madrid. Intentan que casi todos sus puntos de venta vayan en su línea, en el sentido de que sean cosas muy especiales y distintas, que se salgan de los circuitos habituales.
Pasarelas? No. No les gusta demasiado hacen ropa para la calle y el día a día y entienden que son conceptos diferentes a la pasarela, que busca otras cosas… 

 Algo de su colección de invierno

   

La Ilustración Plana

“Oscar de la Renta : Las mujeres en la actualidad se visten para mostrar su personalidad; antes se vestían para mostrar la personalidad del diseñador”

                           

                

El lenguaje artístico de la ilustración de moda ha sufrido un ajuste radical en las últimas dos décadas debido a la nueva oleada  de diseñadores de moda. El alejamiento de los valores tradicionales de la ropa y de los códigos del vestir ha requerido un resurgimiento en el estilo y la ejecución de la obra de los ilustradores de moda actuales. Para reflejar esta evolución radical se ha pedido a los ilustradores que desafíen las normas con representaciones creativas e imaginativas que actúan como barómetro de este cambio. Los cánones tipo Barbie, de piernas largas, cintura de avispa y cabeza pequeña, ya no se consideran apropiados. En la actualidad, la ilustración de moda es un proceso creativo en el que para plasmar las ideas se utilizan técnicas artísticas y tecnología.

Las ilustraciones siempre se han utilizado, en su sentido más amplio, para documentar las modas y costumbres de la sociedad como reflejo de su época. Desde los primeros dibujos en las paredes de una cueva, pasando por la pintura de la corte, hasta llegar a las diferentes expresiones artísticas del siglo XX, la representación  vernácula  de la figura humana siempre ha estado  presente en nuestra  cultura. En 1912, el hibrido de la ilustración de moda pero se ganó  terreno con la aparición  en París  de Le Gazette du BonTon, publicada por Lucien Vogel –precursor de las revistas de moda actuales. Esta publicación estaba compuesta por dibujos impresos que después se coloreaban a mano a uno en uno, La carrera de muchos pioneros de la ilustración de moda empezó con las ilustraciones publicadas en Le Gazette du BonTon. Las ilustraciones de Georges Lepape. Paul Iribe, Robain, de Tlrtoff (Érte) y Georges Barbler aparecieron en su portada y muchas veces también en su interior.

La ilustración de las prendas en plano es una disciplina que permite esquematizar, simplificar y visualizar los diseños de vestuario. Se trata de un modo básico de diseñar y representar las propias creaciones. Los múltiples ejemplos recogidos en este libro ayudan a desenvolverse en esta disciplina y sirven de inspiración para poder dar rienda suelta a la creatividad. 

Profundidad de Campo

Por profundidad de campo se entiende tradicionalmente en óptica, y en fotografía en particular, la zona en la cual la imagen captada por el objetivo es nítida (es decir enfocada), de manera que en la fotografía que se realice, las personas y objetos que se encuentren dentro de esa zona aparecerán también nítidos.

Una definición más completa y exacta sobre la profundidad de campo sería : La profundidad de campo es el espacio por delante y por detrás del plano enfocado, comprendido entre el primer y el último punto apreciablemente nítido reproducidos en el mismo plano de enfoque.

Depende de cuatro factores: el tamaño del círculo de confusión (y por tanto el formato y el tamaño de la impresión, además de la distancia de observación y de la capacidad resolutiva de cada observador), la distancia focal, el número f y la distancia de enfoque.

1.    La Profundidad de campo sólo existe en el contexto de una reproducción. No es una propiedad intrínseca de un lente y depende de valores de apreciación subjetivos.

2.    La frase aceptablemente nítida se refiere a la zona que rodea el plano de la imagen que está en foco. Todos los puntos en una fotografía están fuera de foco en cierta medida (aunque no sea obvio), solo un plano está perfectamente enfocado. Los límites de la profundidad de campo son precisamente donde la falta de nitidez se vuelve inaceptable para el observador.

La profundidad de campo no es una zona en la que la fotografía está enfocada perfectamente sino la zona de la fotografía donde el foco es lo suficientemente cercano al plano nítido como para ser aceptable. La profundidad de campo no dicta tampoco cuán borrosos estarán los planos alejados del plano nítido, una confusión común.

La profundidad de campo aumenta en relación inversa a la apertura, es decir, cuanto más cerrado se encuentra el diafragma o lo que es lo mismo, cuanto mayor sea el número f elegido. Por ejemplo, con un diafragma de f5,6 la profundidad de campo no será muy amplia, mientras que con un diafragma de f11 o de f16 será considerable.

Por otra parte, cuanto más cerca se encuentre el motivo que se desea fotografiar, menor será la profundidad de campo, independientemente del diafragma seleccionado. 

Imagen con poca profundidad de campo.

Imagen con profundidad de campo moderada.

Ilustración en el Diseño de Modas

¿Que es la ilustración de modas? La moda que vemos desfilar en las pasarelas ha sido primeramente elaborada en la mente del diseñador. Las ideas son plasmadas en papel, de manera natural y espontánea en algunas ocasiones, como las notas brotan en la partitura del compositor. Los bocetos pueden dar lugar a un maravilloso vestido o a una fantástica colección. Los dibujos son la representación física de las ideas que nacen en la mente de muchos diseñadores, compartiendo a través de sus manos, una creatividad expresada mediante distintas técnicas como el carboncillo, la plumilla, la acuarela o el diseño gráfico. En otras palabras, las ideas que los diseñadores han plasmado directamente en el papel, salen de ahí al mundo real, por lo que es necesario que los bocetos transmitan claridad y un estilo propio que les defina y les distinga de los demás. No basta sólo con ser un buen dibujante, es necesario además tener entusiasmo por la moda y conocer las tendencias.

Ilustración de movimiento en Moda

Ilustración de luz en Moda

Ilustración de sombra en Moda

Diseño de Modas

El diseño de modas se encarga de diseño de ropa y accesorios creados dentro de las influencias culturales y sociales de un período específico. Representa el estilo e idea del diseñador según su talento y conocimientos. No debe de confundirse con el corte y confección o la sastrería, pues aunque el diseño de modas esté muy ligado a estos, en realidad es una tarea distinta.

PSICOLOGÍA DE LA VESTIMENTA

Teniendo en cuenta estos los fines a lograr, se puede crear una cobertura o vestido. Dependiendo de la calidad con que se mezclen y cantidad de fines mezclados obtendremos mejores o peores resultados.

La psicología de la moda influye en muchos aspectos dentro del ser humano, por ejemplo: el hecho de como el color de una prenda puede llegar a cambiar tu estado de ánimo, o bien como te quita o te da seguridad para unirte a un grupo social.

Cuando la psicología del individuo bascula entre lo establecido como normal, puede hacerse un análisis a través de la vestimenta de su personalidad, nivel cultural, ambiciones, pasatiempos, lugar de origen, gustos musicales, condiciones físicas, complejos...

En caso de que haya picos de algún tipo en la función de lo establecido como normalidad psicológica, la imagen podría ser infiel a la realidad del individuo demostrando así una carencia adaptativa, dependencia, introspección, inteligencia de imagen, baja autoestima, vanidad... Es decir, cuanta más distancia hay entre la imagen proyectada y la realidad, más alto es el valor positivo o negativo de la función de la psicología normal.

La cobertura puede ser un fiel reflejo del alma o totalmente lo contrario dependiendo de la salud mental del individuo, así que, debería considerarse la vestimenta como herramienta analítica en psicología.

El diseño de modas se difiere a el diseño de vestuario debido a que su producto principal tiende a quedar obsoleto después de una o dos temporadas, usualmente. Una temporada está definida como otoño-invierno o primavera-verano. Se considera generalmente que el diseño de modas nació en el siglo XIX con Charles Frederick Worth, que fue el primero en coser a las prendas una etiqueta con su nombre. Mientras todos los artículos de vestimenta de cualquier período de la historia son estudiados por los académicos como diseño de vestuario, sólo la ropa creada después de 1858 puede ser considerada como diseño de modas.

TIPOS DE DISEÑO DE MODAS

Hay tres tipos principales de diseño de modas, aunque pueden ser divididos en otras categorías más específicas:

Alta costura

El tipo de moda que predominó hasta los años 1950 fue la moda "hecha a medida" o Haute Couture  (francés para "alta costura"). El término "hecho a la medida" puede ser usado para cualquier prenda que sea creada para un cliente en particular. Alta costura, sin embargo, es un término protegido que puede ser usado solamente por compañías que cumplen ciertos estándares bien definidos por la Chambre Syndicale de la Couture. No obstante, muchas marcas de ropa "lista para usar", e incluso de mercado masivo, afirman crear alta costura, lo que según los estándares, es falso. Una prenda de alta costura está hecha por orden de un cliente individual, y está hecha usualmente de textiles costosos de alta calidad, confeccionada con extrema atención en los detalles y el acabado, generalmente usando técnicas a mano que toman mucho tiempo.

Moda lista para llevar

La moda "lista para usar" (Prêt-á-porter) es un punto medio entre alta costura y mercado de masa. No está hecha para clientes individuales, pero se toma gran cuidado en la elección y el corte de la tela. La ropa está confeccionada en pequeñas cantidades para asegurar la exclusividad, por lo cual es más bien costosa. Las colecciones de prendas listas para usar son usualmente presentadas por casas de modas en cada temporada durante un período conocido como semana de la moda que toma lugar dos veces al año.

Mercado de masa

Actualmente la industria de moda cuenta sobre todo con las ventas del mercado de masa. El mercado de masa cubre las necesidades de un amplio rango de clientes, produciendo ropa lista para usar en grandes cantidades y tamaños estándar. Materiales baratos usados creativamente producen moda accesible. Los diseñadores de mercado de masa generalmente adaptan las modas establecidas por los nombres famosos en el área de la moda. Esperan generalmente una temporada para asegurarse de que un determinado estilo tendrá éxito antes de producir sus propias versiones de éste. Para ahorrar tiempo y dinero, usan textiles más baratos y técnicas de producción más simples que pueden ser fácilmente ejecutadas por una máquina. El producto final puede ser vendido a un precio mucho más bajo que un producto de cualquiera de los otros dos métodos de producción.